Talking Heads가 역대 가장 영향력 있는 밴드 중 하나인 7가지 이유

원문 Influence and Sounds

1970년대 중반 뉴욕의 활기찬 예술계에서 등장한 밴드 Talking Heads는 대중 음악의 풍경을 영원히 바꿔놓았다. 수수께끼 같은 David Byrne이 프런트를 맡고 Chris Frantz, Tina Weymouth, Jerry Harrison의 혁신적인 음악가가 지원한 Talking Heads는 록음악의 경계를 넓혔다. 그들은 장르를 혼합하고, 규범에 도전했으며, 동시대 사람들과 차별화되는 수준의 지적이고 감정적인 복잡성을 음악에 주입했다.

데뷔 앨범의 첫 번째 딸랑딸랑거리는(jangly) 코드부터 Remain in Light의 광대한 사운드스케이프와 그 너머까지 Talking Heads는 오늘날에도 여전히 공감하게 하는 방식으로 사운드를 진화시키고 확장했다. Arcade Fire에서 LCD Soundsystem에 이르기까지 수많은 현대 아티스트의 작품에서 그들의 영향을 들을 수 있으며, 이는 록, 뉴웨이브, 아트 팝에 대한 이 밴드의 독특한 해석이 40년 전과 마찬가지로 오늘날에도 여전히 관련성이 있음을 증명한다. 여기서, Talking Heads가 단순한 록 밴드가 아니라 음악 역사의 흐름을 형성한 힘인 7가지 주요 이유를 살펴보겠다.

1. 장르의 혁신적 융합

록, 펑크, 월드뮤직의 경계를 흐릿하게 함

Talking Heads 음악의 가장 주목할 만한 측면 중 하나는 장르를 매끄럽게 혼합하는 능력이다. 특히 Talking Heads: 77에서의 초기 작업은 뉴욕을 휩쓴 펑크와 뉴웨이브 운동의 일부로 자리매김했지만, 그들의 사운드는 결코 쉽게 분류되지 않았다. 펑크 동시대 사람들의 3개의 코드로 들이미는 공격성과 달리 Talking Heads는 록과 기발한 팝 감성을 결합하여 더 미묘한 역동성을 부여했다.

이후의 각 앨범에서 그들은 미지의 음악 영역으로 더욱 깊이 파고들었다. Fear of Music과 Remain in Light는 월드 뮤직, 특히 아프리카 리듬과 미국 펑크, 록을 융합한 하이라이트를 나타낸다. “I Zimbra”와 “Once in a Lifetime”과 같은 트랙은 서양 음악에서는 일반적이지 않은 폴리리듬을 사용하지만 매혹적이고 거의 최면적인 효과를 낸다.

Talking Heads는 Fela Kuti와 같은 아티스트의 영향을 받았는데, 이들의 아프로비트 리듬은 Remain in Light의 겹겹이 리듬이 강한 편곡에 영감을 주었습니다. 프로듀서 Brian Eno의 지도 아래 앨범을 제작하면서 이러한 영향은 완전히 새로운 것으로 바뀌었다. Talking Heads는 단순히 월드뮤직 사운드를 차용하는 것이 아니라 록, 펑크, 글로벌 리듬이 공존하는 합성을 만들어 대중 음악에서 새로운 언어를 형성했다.

미래 세대에 영향을 미치다

그들의 장르를 모호하게 하는 접근 방식은 많은 아티스트에게 큰 영향을 미쳤다. 월드뮤직 요소, 일렉트로닉 실험, 록의 완벽한 통합은 Radiohead1, Vampire Weekend, TV on the Radio와 같은 밴드의 토대를 마련했다. 여러 면에서 그들의 영향은 오늘날 현대 음악에서 듣는 점점 더 세계화된 사운드스케이프의 길을 열었다.

2. 데이빗 번: 다른 어떤 사람과도 다른 프런트맨

복잡하고 지적인 존재감

데이빗 번은 록 역사상 가장 색다른 프런트맨 중 한 명이었으며 지금도 그렇다. 뻣뻣하고 어색한 움직임, 무장 해제하는 보컬 전달, 특유의 눈을 크게 뜬 시선으로 번은 취약함과 편심함을 발산했다.2 대부분의 프런트맨이 전통적인 록 트로프를 통해 카리스마를 발산하는 반면(믹 재거의 거만함이나 짐 모리슨의 침울한 성적 취향을 생각해 보라) 번은 록 스타가 되는 것의 의미에 대한 전체적인 개념을 전복했다.

“Psycho Killer”와 같은 노래에서 번은 소외되고 불안하며 경계에 있는 캐릭터를 구현했다. 이러한 긴장감은 Talking Heads 음악의 많은 부분에 스며들어 도시 생활의 혼란과 긴장을 완전히 새로운 방식으로 포착했다.

지적이고 감정적인 깊이

번을 그토록 매력적인 인물로 만든 것은 청중과 감정적인 연결을 유지하면서도 가사에서 지적인 아이디어를 전달하는 그의 능력이었다. “Once in a Lifetime”과 같은 트랙에서 번은 물질주의의 무익함과 현대 생활의 소외에 대해 묵상한다. “당신은 스스로에게 ‘음, 어떻게 여기까지 왔을까?’라고 물을 수도 있습니다.(You may ask yourself, ‘Well, how did I get here?’)”와 같은 대사는 20세기 후반의 실존적 불확실성을 받아들이는 세대에게 깊은 공감을 불러일으켰다.

어떤 면에서 번의 지적이고 기이한 존재감은 보다 전통적인 록 페르소나와 공감하지 못했을지 모르는 청취자에게 그를 더 공감하게 만들었다. 그의 독특한 카리스마는 Arcade Fire의 Win Butler와 LCD Soundsystem의 James Murphy와 같은 현대 프런트맨에게 계속 영향을 미치고 있으며, 이들은 공연에서 지성주의와 감정적 날카로움을 비슷하게 혼합한다.

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By How We Get To NextYouTube (4:21), CC BY 3.0, Link

3. 브라이언 이노의 변혁적 제작

ENO 협업 시대

Talking Heads와 프로듀서 브라이언 이노의 협업은 밴드의 커리어에 전환점을 가져왔다. 록시뮤직크라프트베르크와 같은 글램 록과 실험적 일렉트로닉 아티스트와 작업했던 이노는 밴드의 음악에 독특한 아방가르드 감성을 불어넣었다. 1978년 More Songs About Buildings and Food로 시작해서 이노는 밴드가 미니멀하고 각진 초기 사운드에서 더 광범위하고 실험적인 사운드로 전환하도록 도왔다.

이노의 영향으로 밴드는 더 많은 전자적 요소와 텍스처를 통합하기 시작했고, 이는 편곡에 깊이와 복잡성을 더했다. 이노와 함께 한 세 개의 협업 앨범 중 마지막 앨범인 Remain in Light는 그들의 상호 창의성을 증명한다. 끊임없이 진화하는 사운드 레이어를 통합한 소용돌이치는 사이키델릭 걸작이다. 결코 정적이지 않다. “The Great Curve”와 “Crosseyed and Painless”와 같은 트랙은 반복해서 들어도 보상이 되는 치밀하고 복잡한 제작이 특징이다.

프로듀서의 역할 재정의

Talking Heads와 함께한 Eno의 작업은 프로듀서가 될 수 있는 것을 재정의했다. Eno는 단순히 녹음 과정을 촉진하는 것이 아니라 적극적인 협업자로서 밴드의 사운드를 근본적인 방식으로 형성했다. 그의 실험적 접근 방식과 악기로서의 스튜디오에 대한 강조는 미래의 프로듀서-아티스트 협업을 위한 토대를 마련했으며, Nigel Godrich(Radiohead의 오랜 프로듀서)부터 James Ford(Arctic Monkeys, Depeche Mode)에 이르기까지 모든 사람에게 영향을 미쳤다.

4. 예술적 시각적 미학

앨범 아트에서 뮤직비디오까지

Talking Heads는 단순히 음향적으로만 혁신적인 것이 아니다. 그들의 시각적 미학 역시 획기적이었다. Fear of Music과 Remain in Light의 앨범 커버는 미니멀리즘과 단순하고 대담한 이미지 사용이 돋보였다. 그들의 작품의 시각적 요소에 대한 이러한 관심은 종종 노래 자체만큼이나 색다른 뮤직 비디오로 이어졌다.

“Once in a Lifetime”의 비디오를 살펴보라. 번은 커다란 정장을 입고 방향 감각을 상실하게 하는 시각적 효과의 배경에 맞춰 로봇처럼 갑작스럽게 움직이는 댄스 동작을 선보입니다. 이 비디오는 상징적일 뿐만 아니라 노래의 주제인 실존적 혼란을 완벽하게 보완한다. 토니 바질이 감독하고 번이 직접 안무를 맡은 이 비디오는 밴드가 뮤직 비디오라는 새로운 매체를 활용해 예술적 비전을 확장한 완벽한 사례다.

라이브 공연의 혁명

그들의 시각적 예술성은 라이브 공연에서 그 어느 때보다 더 두드러졌다. 조나단 드미가 감독하고 1984년에 개봉한 Stop Making Sense는 지금까지 만들어진 가장 위대한 콘서트 영화 중 하나로 널리 알려져 있다. 이 영화는 번이 어쿠스틱 기타와 붐박스를 들고 무대에 올라 “Psycho Killer”의 단순화된 버전을 연주하는 장면으로 시작한다. 콘서트가 진행되면서 무대 구성은 점점 더 정교해지고 밴드 멤버들이 하나씩 합류하여 완벽한 앙상블이 완벽한 합주로 연주한다. 이 영화의 미니멀한 무대 디자인과 혁신적인 촬영 기법은 콘서트 영화가 무엇인지 새롭게 정의하여 여러 세대의 영화 제작자와 라이브 공연자에게 영향을 미쳤다.

5. 정치 및 사회적 논평

도시적 소외 문제 해결

Talking Heads는 음악에서 복잡한 사회적, 정치적 문제를 다루는 것을 꺼리지 않는 밴드였다. “Life During Wartime“과 “Born Under Punches (The Heat Goes On)”과 같은 노래는 도시적 혼란과 정치적 격변을 생생하게 묘사하며, 종종 빠르게 변화하는 세상에서 사는 것에 대한 불안을 반영한다.

특히 “Life During Wartime”은 20세기 후반 도시 생활의 편집증과 긴장감을 포착했다. Byrne의 디스토피아적 가사인 “이건 파티도 아니고, 디스코도 아니고, 장난도 아니야(This ain’t no party, this ain’t no disco, this ain’t no fooling around)”는 많은 사람이 직면한 가혹한 현실을 냉엄하게 상기시켜주며3, 디스코가 지배하는 팝음악의 경박함을 날카로운 사회적 논평으로 꿰뚫었다.

현대에 대한 주의깊은 목소리

그들의 가사는 기술, 세계화, 정치적 불안정이 단절과 소외감을 조성하는 오늘날의 세상에서 여전히 예지력을 느끼게 한다. 이러한 주제를 정면으로 다루면서 Talking Heads는 지적 비판과 대중음악 사이의 격차를 메울 수 있는 몇 안 되는 밴드 중 하나가 되었다.

6. 리듬 섹션: 티나 웨이마우스와 크리스 프란츠

그루브 중심의 기초

Talking Heads 사운드의 핵심 요소는 베이시스트 티나 웨이머스와 드러머 크리스 프란츠가 제공하는 타이트하고 그루브 중심의 리듬 섹션이다. 웨이마우스의 베이스라인은 종종 절제되지만 항상 필수적이며, 밴드의 가장 춤추기 쉬운 트랙의 중추다. 펑크와 아프로비트에 뿌리를 둔 프란츠의 드럼 연주는 밴드에 다른 뉴웨이브 액트와 차별화되는 리듬적 복잡성을 제공한다.

“Crosseyed and Painless”와 “Born Under Punches”와 같은 노래는 Weymouth와 Frantz의 최고의 모습을 보여주며, Byrne의 보컬과 Harrison의 기타가 복잡한 패턴을 엮을 수 있는 기반을 제공한다. Talking Heads의 음악은 지적으로 매력적일 뿐만 아니라 육체적으로 매력적이게 만들었다. 생각하고 춤출 수 있는 음악이다.

댄스 록에 대한 지속적인 영향

Weymouth와 Frantz의 영향은 Bloc Party, Franz Ferdinand4, Foals를 포함한 현대 댄스 록과 포스트 펑크 리바이벌 밴드에서 들을 수 있다. 복잡한 리듬을 쉽고 추진력 있게 느끼게 하는 그들의 능력은 Talking Heads의 지속적인 유산의 핵심 요소다.

7. 지속적인 유산과 영향력

실험적 팝의 청사진

Talking Heads는 실험과 접근성의 균형을 맞추는 데 성공한 몇 안 되는 밴드 중 하나였다. 월드뮤직의 통합, 아방가르드 제작기술 사용 또는 초현실적 가사를 통해 위험을 감수하려는 그들의 의지는 수많은 아티스트가 따라한 실험적 팝 음악의 청사진을 만들었다.

Arcade Fire, LCD Soundsystem, Animal Collective과 같은 현대 밴드는 Talking Heads가 개척한 길에 많은 사운드를 빚지고 있다. 사실 LCD Soundsystem의 James Murphy는 “David Byrne은 천재입니다… 저는 그에게 많은 빚을 졌습니다.”라고 말했다. Byrne의 영향력은 음악에만 국한되지 않다. 그는 예술계, 연극, 영화에서 존경받는 인물이 되었고, 다방면의 아티스트로서의 지위를 더욱 공고히 했다.

현대 세계의 사운드트랙

Talking Heads의 음악은 예술, 정치, 대중 문화의 교차점을 탐구하는 데 관심이 있는 모든 아티스트에게 시금석으로 남아 있다. 그들의 사운드, 스타일, 메시지는 놀라울 정도로 오래되었고, 새로운 세대의 청취자에게 계속해서 공감을 얻고 있다. 점점 더 분열되고 단절되어 느껴지는 세상에서, 그들의 음악은 그 혼돈을 반영하는 동시에 그것을 초월하는 수단을 제공한다.

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관련 및 유사한 밴드: TALKING HEADS의 정신을 공유하는 아티스트

브라이언 이노

밴드는 아니지만 브라이언 이노가 Talking Heads에 미친 영향은 매우 크기 때문에 관련 아티스트로 언급할 만하다. 그의 솔로 작업, 특히 Another Green WorldBefore and After Science와 같은 앨범은 그가 밴드와의 협업에 가져온 것과 동일한 실험적 정신을 공유한다. 앰비언트 음악에서 이노의 선구적인 작업과 데이비드 보위와 U2와 같은 아티스트의 프로듀서로서의 그의 역할은 현대 음악에 지울 수 없는 흔적을 남겼다.

DEVO

Talking Heads와 마찬가지로 Devo는 1970년대 후반 포스트 펑크 장면에서 실험적이고 접근 가능한 사운드로 등장했다. 기발한 신시사이저, 무표정한 보컬, 현대 사회에 대한 종종 풍자적인 해석이 특징인 그들의 음악은 Talking Heads의 지적 성향을 공유한다. Devo의 히트곡 “Whip It”과 독특한 시각적 미학은 그들을 스타일과 감성 면에서 Talking Heads와 가장 밀접하게 연관된 밴드 중 하나로 만들었다.

B-52’S

뉴욕시 아트 펑크 씬의 또 다른 산물인 B-52’s는 Talking Heads의 기발하고 아방가르드한 미학을 공유한다. 서프록, 뉴웨이브, 댄스 리듬을 결합한 레트로-퓨처리즘 사운드로 B-52’s는 종종 동일한 예술적 영역을 탐구했지만, 더 장난기 있고 덜 지적인 방식으로 탐구했다. “Rock Lobster”와 “Private Idaho”와 같은 노래는 팝 음악에 대한 독특하면서도 접근하기 쉬운 접근 방식을 상징한다.

LCD SOUNDSYSTEM

LCD Soundsystem만큼 Talking Heads의 영향을 자랑스럽게 드러내는 밴드는 거의 없다. 프런트맨 James Murphy는 David Byrne과 Talking Heads를 자신의 가장 큰 영감 중 하나로 공개적으로 언급했다. LCD Soundsystem의 음악은 일렉트로닉 리듬, 펑크 에너지, 아트 록 감성을 Talking Heads가 개척한 길의 자연스러운 연속처럼 느껴지는 방식으로 혼합한다. “All My Friends”와 “Someone Great”와 같은 트랙은 Talking Heads가 전성기에 했던 것처럼 춤추기 좋은 그루브와 내성적이고 종종 실존적인 가사를 섞는 밴드의 능력을 보여준다.

ARCADE FIRE

21세기에 가장 비평가들의 찬사를 받은 밴드 중 하나인 Arcade Fire도 Talking Heads에게 빚을 졌다. 웅장한 오케스트라 편곡과 춤추기 좋은 리듬, 감정적으로 충만한 가사를 섞는 그들의 능력은 Talking Heads의 지성과 그루브의 혼합을 연상시킨다. “Reflektor“와 “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”와 같은 노래는 Remain in Light의 광활하고 리드미컬한 사운드를 반영하는 반면, 프런트맨 Win Butler의 종종 지적인 가사적 접근 방식은 Byrne의 영향을 전달한다.

  1. 그들의 그룹명은 토킹헤즈의 노래 제목에서 따왔다
  2. 이러한 독특한 캐릭터가 그의 자폐성 스펙트럼 장애적 성격에서 비롯됐다는 주장에 대해서는 여기를 보라
  3. 이러한 불안감은 21세의 1/4분기가 끝나가는 이 시점에도 가라앉지 않고 오히려 증폭되고 있는 느낌이다
  4. 그룹이 이름을 빌려온 실존인물 합스부르크 대공 프란츠 퍼디난트의 죽음은 스스로에게도 비극이었지만, 현대사에서 가장 커다른 비극을 탄생시킨 도화선이 되었다

데이빗 번과 Stop Making Sense의 자폐증적 행복감

Stop making sense poster original.jpg
By May be found at the following website: http://www.moviegoods.com/movie_poster/stop_making_sense_1984.htm, Fair use, Link

원문은 리틀화이트라이스

폴린 케일(Pauline Kael)은 1984년 Stop Making Sense에 대한 리뷰에서 데이빗 번을 “내성적이고 무육체적인 공상과학적 특성을 지닌 사람으로 묘사했고, 그에게는 알 수 없는 무언가가 있고 거의 자폐증1에 가깝지만, 그는 자폐증을 재밌게 만든다”고 설명했다.2 지금은 무감각하게 들릴지 몰라도, 번의 이상함에 대한 이런 감정은 Talking Heads가 시작된 이래로 그의 밴드 동료와 비평가 모두에게 널리 공유되었다. 번의 사회적 관습과 상호 작용에 대한 갈등은 그룹의 초월적 천재성과 아웃사이더로서의 매력을 살펴볼 때 피할 수 없는 주제였다. 40년이 지났고, A24는 콘서트 필름의 기념일을 기념하기 위해 Stop Making Sense를 복원하여 재발매했을 뿐만 아니라, 이 큰 정장을 입은 남자는 이제 자랑스럽게 자폐증이라고 밝혔다. 번이 신경발달장애를 가지고 있다는 점을 염두에 두고 영화를 다시 살펴보면, “역대 최고의 콘서트 영화”라는 별칭을 얻은 이 영화는 동시에 영화로 만들어진 가장 위대한 자폐증 이야기 중 하나가 된다.

Byrne이 어쿠스틱 기타와 붐박스를 손에 든 채 팬타지스 극장(Pantages Theatre) 무대에 처음 등장하면서 두 가지 서사가 콘서트 자체의 구조를 통해 동시에 소개된다. 밴드 결성의 역사와 사운드의 구성은 각 멤버가 차례로 무대에 등장하여 Byrne 혼자 Talking Heads의 첫 싱글 “Psycho Killer“를 연주하는 것으로 시작하여 전체 밴드와 게스트 연주자가 모여 다음 메이저 히트곡 “Burning Down The House”를 연주하는 것으로 절정에 달하는 모습을 통해 시각적으로 설명된다. 그러나 2014년 영화에 대한 Q&A에서 Byrne은 더 “심리적인 서사”가 작용하고 있다고 주장한다. 그는 그 이후로 Talking Heads의 현재 언론 보도에서 이 감정을 반복했다. 이 서사에서 영화는 세상에 홀로 있는 불안한 남자로 시작하지만, 밴드 멤버들의 도움을 받아 그를 둘러싸고 함께 연주하면서 놓아주고 해방되어 음악을 통해 연결에서 기쁨을 찾는다. Byrne은 “완전한 카타르시스입니다.”라고 결론지었다.

Byrne이 “정상적인” 사회적 행동을 고수하는 데 어려움을 겪는 모습은 Talking Heads의 가사에 많은 영향을 미쳤으며, Stop Making Sense에서 이러한 심리적 서사에 맞게 주제적으로 사용된다. 이 영화는 강렬한 불안감을 불러일으키는 두 곡으로 시작하는데, “Psycho Killer”로 시작하여 “긴장되고 긴장해서 긴장을 풀 수가 없어(I’m tense and nervous and I can’t relax)”와 “날 만지지 마, 난 진짜 살아 있는 전선(電線)이야(Don’t touch me I’m a real live wire)”와 같은 스트레스가 많은 가사를 포함하고, Byrne이 영화의 마지막 곡인 “Crosseyed and Painless”에서 “평범하게 행동하려고 하다 형체를 잃었어 / 멈출 수 없어, 병원에 입원할지도 몰라(Lost my shape trying to act casual / Can’t stop, I might end up in a hospital)”라고 소리치는 것으로 끝난다. 두 곡 모두 위기에 처한 남자의 관점에서 나오지만, 첫 번째 곡이 청취자의 마음속에 칼을 휘두르는 노먼 베이츠(Norman Bates)3의 이미지를 불러일으킬 수 있는 반면, 두 곡 모두 “정상적인” 알리스틱(allistic)4 사회에 적응하려고 애쓰는 압도된 자폐증 남성으로 해석될 수도 있으며, 붕괴 직전에 있다.

공연 필름의 제목과는 달리, 번은 자신의 감정과 주변 세계를 필사적으로 이해하려고 애쓰고 있지만, 그 중 어느 것도 말이 되지 않는다는 것을 깨닫기 시작했다. “Once In A Lifetime“에서 번이 머리를 때리고 경련을 일으키며 “이걸 어떻게 해야 할까?(How do I work this?)”와 “맙소사, 내가 뭘 한 거지?(My God, what have I done?)”와 같은 끊임없는 질문을 외치는 것은 이를 잘 보여주는 예이며, 노래에 나와 있는 사회적 규범을 이해하고 그에 맞추려고 애쓰고 있다. 이러한 투쟁은 “Making Flippy Floppy“와 같은 공연에서 시각적으로 표현되는데, 밴드 멤버 뒤에 투사되는 “VIDEOGAME, SANDWICH, DIAMONDS”와 “STAR WARS, FACELIFT, PIG”와 같은 겉보기에 무작위적인 단어들은 각 개념을 개별적으로 이해함에도 불구하고 관객은 그 의미에 대해 혼란스러워한다. 번이 혼란스러운 신경형 세계를 헤쳐 나가는 동안 느끼는 것과 매우 흡사하다.

의상은 영화에서 타자성이 은유적으로 표현되는 또 다른 방식이다. 가장 분명한 것은 무대에 선 모든 사람이 입은 균질화된 회색 의상의 바다에서(드러머 크리스 프란츠의 파란색 폴로 셔츠가 성가시게 연속성을 깨는 것은 무시하고) 번은 상징적인 큰 회색 정장을 입고 몸을 떨어대면서 아픈 엄지손가락처럼 튀어나온다. 하지만 이전에도 번이 평소의 깔끔한 회색 정장을 입었을 때, 그는 “Life During Wartime”의 주인공과 달리 군중 속에 섞이지 못한다. 번의 의상 변신을 통해 우리는 가면을 벗는 남자의 강력한 여정을 목격한다.

마스크, 신경적 다양성의 억제, 그리고 전형적인 행동을 채택하여 모든 사회에 섞이는 것은 데이빗 번이 너무나 잘 알고 있는 스트레스가 쌓이고 지쳐가는 노력이다. 그는 가사와 통제할 수 없는 반복적인 움직임과 소음으로 쇼 내내 정상성의 외관을 유지하기 위해 고군분투하는데, 때때로 자폐증적 자극을 연상시킨다(Talking Heads의 작품에서 얼마나 많은 소리와 구절이 반복되는지 생각해보라. 가장 유명한 것은 “Same as it ever was”와 같은 대사다).

쇼가 진행되고 번이 마음을 열기 시작하면서 그는 밴드와 관객 앞에서 마스크를 벗고 톰 톰 클럽의 막간 이후 그림자에서 벗어나 자신의 완전하고 어리석은 자아로 공간을 차지하면서 실물보다 큰 페르소나를 드러낸다. 놀랍게도, Byrne은 현재 A24의 Stop Making Sense 기자 회견과 라이브 Q&A에서 이전 밴드 멤버들과 재회하면서도 차이점을 자랑스럽게 보여주는 모티브를 유지해 왔다. Byrne은 파란색과 흰색 정장을 입고 눈에 띄는 반면, 이전 Heads 멤버들은 전부 검은색을 입었다.

“The Artistics”(캠퍼스 주변에서는 “The Autistics”라는 별명으로 불림)라는 이름으로 연주하던 미술 학교 시절부터 영향력 있는 뉴웨이브 선구자로서 오늘날의 지위에 이르기까지 데이빗 번은 그의 경력 내내 구경꾼들로부터 한 가지 질문을 피할 수 없었다. 수줍고 내성적인 사람이 어떻게 무대에 올라서서 그가 하는 일을 할 수 있을까? 회고해보면 번은 답을 알고 있다. 2012년 저서 ‘How Music Works‘에서 그는 자신의 예술을 공연하는 것이 “대화에 참여하는 수단”이며, 다른 사람들에게 다가가서 정기적으로 얼굴을 맞대고 대화하는 것이 불편했던 그에게 커뮤니티를 구축하는 방법이라고 설명했다.

40년 후 Stop Making Sense를 다시 살펴보면 번이 무대를 위해 고안한 많은 선택(데미 감독의 선택과 함께)이 신경 다양성(neurodivergence)에 대한 고정관념에 도전하는 동시에 차이점을 즐겁게 기념하는 것처럼 느껴진다. 여기서 자폐인은 “이상하지만 낯선 사람은 아니다”고 표현되며, 사랑을 표현하고 다른 사람과 교류할 수 있는 능력을 충분히 갖추고 있는 것으로 묘사되며, 예를 들어 램프에 러브송을 부르는 것처럼 그들만의 독특한 방식으로 그렇게 합니다. Stop Making Sense라는 제목은 데이빗 번이 시청자에게 모든 사회의 사회적 규범에 맞게 자신을 받아들이지 말고, 가면을 벗고 자유로워져 행복을 선택하라는 간청이다. 번이 자폐 정체성에 대해 묻는 팬에게 달콤하게 말했듯이, “우리 모두가 똑같을 필요는 없습니다.”

  1. 친절한 변호사 우영우 덕분에 Autism을 ‘자폐증’이라는 표현보다는 ‘자폐 스펙트럼 장애(Autism spectrum disorder)’라고 표현하는 것이 더 적절한 것을 알게 됐지만, 이 리뷰의 원문에도 저렇게 긴 영어 표현이 아닌 단순하게 Autism이라는 표현을 쓰고 있기에 편의를 위해 ‘자폐증’이라고 표현하도록 하겠다 : 역자주
  2. 글 중간에 올려놓은 유튜브 영상에도 사회자가 이 리뷰를 거론한다
  3. 알프레드 히치코크의 영화 Psycho의 주인공
  4. 자폐증이 아닌 상태

Bonzo Goes to Washington / Five Minutes

트럼프 2기에 들어서서 화가 많이 난 것 같은 롤링스톤이 ‘THE 100 BEST PROTEST SONGS OF ALL TIME’이라는 리스트를 발표했다. 다시 한번 프로테스트송이 차트를 뒤흔드는 상황을 바라는 의미일까? 100위에 토킹헤즈의 제리해리슨(Jerry Harrison)이 만든 프로젝트밴드의 곡이 선정돼서 소개한다. 이 100곡중 80년대 노래 리스트는 여기로.

핵 불안이 이렇게 펑키하게 들린 적은 없었다. 1984년 대선을 앞두고 등장한 수수께끼의 그룹 Bonzo Goes to Washington — 사실은 Talking Heads의 기타리스트 제리 해리슨(Jerry Harrison)과 P-Funk의 베이시스트 부츠 콜린스(Bootsy Collins)의 프로젝트 — 는 레이건 대통령의 한 발언을 조롱하며 완전히 미트파이로 조리해버렸다. 그 발언은 ‘친애하는 미국 국민 여러분, 오늘 저는 러시아를 영원히 불법화하는 법안에 서명했음을 기쁘게 알려드립니다. 우리는 5분 후 폭격을 시작합니다.’라는 그의 농담이었다. 이 곡은 이후 Sleeping Bag Records의 설립자이자 댄스 음악의 공상가인 아서 러셀(Arthur Russell )에 의해 리믹스되면서, 진정한 ‘상호 확증 파괴급’ 댄스 플로어 폭탄으로 거듭났다

David Byrne의 American Utopia, 스페셜토니상 수상 예정

Byrne and his supporting musicians standing onstage with the bottom of the photo melting into a wave
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토니어워드 실행위원회는 화요일(6월 22일) David Byrne의 American Utopia, Lin-Manuel Miranda가 2004년 공동 창작한 Freestyle Love Supreme, 그리고 The Broadway Advocacy Coalition에게 스페셜토니상을 수상할 것이라고 발표했다. 스페셜토니상은 경쟁 부문에 오르지 못했지만, 뛰어난 프로덕션, 아티스트, 그리고 조직에게 수여되는 상이다. 수상은 9월 26일 제74회 토지상 수상식에서 행해질 예정이다. American Utopia는 작년 그래미에서 최우수 뮤지컬공연앨범 후보에 오른바 있다. 이 쇼는 David Byrne의 2018년 앨범 American Utopia에 기초하여 만들어졌는데, 해당 앨범은 그래미에서 최우수 얼터너티브 음악앨범 후보에 오르기도 했다. Byrne은 1987년 영화 ‘마지막 황제’의 공동작곡자로 류이치 사카모토, 콩수와 함께 오스카와 그래미상을 동시에 받은 바 있다.[원문 보기]

경매에 나온 Talking Heads 공연 포스터


한 자금모집 사이트에서 피콧(Pequot) 도서관의 23번째 아트쇼의 일환으로 Talking Heads의 공연 포스터가 경매에 나왔다. 네 명의 멤버가 서명을 남긴 이 포스터는 Dire Straits가 오프닝 밴드를 맡은 1978년의 영국 공연의 포스터다. 포스터의 기부자는 Chris Frantz와 Tina Weymouth다.

“American Utopia는 인간관계에 대한 위대하고 영광스러운 호소다”

쇼가 끝날 즈음에 공연자들은 “Road to Nowhere”의 환호하는 버전을 부르는 동안 관중 사이를 누비고 다닌다. Lee는 그의 카메라를 청중으로 돌리고 [중략] 우리는 이들이 대부분 토킹헤즈를 들으며 자라온 중년의 백인들이라는 것을 볼 수 있다. 한 무리로 묶어보면 그들은 무대 위의 공연자들만큼이나 다양한 구성과 거리가 멀다. American Utopia로 Byrne이 설교하려 하는 것은 그저 백인의 자유주의에 대한 자기만족적인 행위라고 비난할 수 있다. 하지만 그것은 요점을 놓친 것일 수 있다. 그의 노래들 사이의 리프에서 Byrne은 세상을 바라보는 동안 흥미로운 것들이 많다는 사실을 노래한다. 자전거가 있고 (그가 좋아하기로 유명한 것인데 심지어 Lee 는 그가 한 쇼에서 그가 자전거를 타고 사라지는 장면을 선보이기도 한다) 아름다운 석양이 있고, 심지어 감자칩 한 봉지가 시각적으로 매력을 뿜어내기도 한다. 그러나 어쨌든 우리는 언제나 인간의 얼굴로 다시 돌아온다. “사람들을 보고 있나요?” Byrne이 말한다. “최고죠.” American Utopia는 당신이 대면하고 있는 사람에 관한 이야기다. 또는 옆에 있는, 또는 뒤에 있는, 그리고 그들을 관찰하는 작업. [전문보기]

Psycho Killer의 가사에 일본어 가사가 들어갈 뻔한 사연

Chris Frantz의 회고록 Remain in Love에는 Psycho Killer가 만들어진 과정이 자세히 소개되어 있다. 책에 의하면 크리스와 티나가 졸업전을 위해 그들의 스튜디오에서 작업을 하고 있을 때 David Byrne이 어느 날 그들을 찾아와 당시 쓰고 있던 가사 작업을 도와달라고 요청했다고 한다. (번은 이 곡이 Alice Cooper 스타일이라고 주장했다고 한다!) 그가 크리스 일행에게 보여준 가사는 I can’t seem to face up to the facts로 시작하는 싸이코킬러의 첫 문단이었다. 그러면서 Byrne은 이 캐릭터의 싸이코적인 모습을 부각시키기 위해 브릿지로 일본어를 쓰기 위해 한 일본여성에게 도와달라고 요청했었다고 말했다 한다. 이때 크리스는 티나가 불어를 할 수 있으니 불어로 브릿지를 넣는 것은 어떠냐고 제안했다. それは何ですか 대신에 Qu’est-ce que c’est 가 가사에 삽입된 순간이었다. 좋은 충고를 해주신 크리스님 감사합니다.

Tina Weymouth, 코네티컷 여성 명예의 전당에 추대되다

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By Jean-Luc – originally posted to Flickr as Talking Heads, CC BY-SA 2.0, Link

Talking Heads와 Tom Tom Club의 창립 멤버인 Tina Weymouth가 코네티컷 여성 명예의 전당에 추대될 예정이다. 웨이마우쓰는 토니상 수상자인 배우 Anika None Rose, 발레리나 Lucia Chase와 함께 올해 추대되는 세 명의 여성 중 하나다. 현재 코네티컷주 페어필드에 거주하고 있는 웨이마우쓰는 하트포드의 코네티컷 컨벤션 센터에서 있을 조직의 추대 행사에서 추대될 예정이다. 올해의 추대 행사는 11월 5일 월요일 치러질 예정이다.

전문 읽기

[번역] 40년이 지난 후, Talking Heads의 가장 가치 있는 멤버는 여전히 가장 낮게 평가받고 있다

Carrie Courogen(원문 보기)

당신이 토킹헤즈의 대표곡들을 들을 때면 그 음악에는 하나의 두드러진 공통점이 있다. : 티나 웨이마우스(Tina Weymouth)의 훵키하고 멜로디 넘치는 베이스라인. 그가 없었다면 “Psycho Killer”나 “Burning Down The House”, 그리고 “Once in a Lifetime”이 없었을 것이다. 즉시 알아들을 수 있는 그루부는 곡의 가사가 사라지는 순간에도 우리의 뇌 속에 스며들어 있다. Jay-Z에서부터 최근에는 셀레나 고메즈(Selena Gomez)에 이르기까지 계속 샘플로 사용되고 다시 수면위로 떠올랐던 것은 웨이마우스의 베이스라인이지만 이것들을 창작해낸 그의 역할은 아직까지 거의 논의되고 있지 않다.

웨이마우스의 기념비적인 “Psycho Killer”의 리프에 기초해서 만든 고메즈의 “Bad Liar”가 발매되자마자 평론가들은 데이빗 번(David Byrne)이 그 영향력있는 샘플에 기여한 바가 없음에도 불구하고 그의 공식적인 승인에 초점을 맞추었다. 카리스마 넘치는 프론트맨을 뒷받침했던 여성이 종종 그러했던 것처럼 웨이마우스에 대한 평가 역시 일종의 부가적인 영역이었다.

66살의 웨이마우스 또한 명성을 추구하지 않는다. “난 그런 것에 대해 내 자신이 별로 개의치 않는다고 생각해요. 내가 그렇다는 것을 알고 있죠.” PAPER와의 전화 인터뷰에서 웨이마우스가 한 발언이다. “난 여전이 여기 있고 내 할 일을 해요. 결론적으로는 그게 진정한 모든 것이라고 생각해요. 사람들이 당신을 어떻게 인식하는가가 아니라요.”

최근의 인터뷰에서 토킹헤즈의 드러머인 (그리고 웨이마우스의 남편) 크리스 프란츠(Chris Frantz)는 “토킹헤즈에서 티나 웨이마우스가 없었더라면 우리는 그저 또 다른 어떤 밴드였을 것”이라고 말했다. 그래서 왜 그가 그렇게나 중요한 역할을 했던 어떤 밴드의 유산에서 그는 서서히 배제된 것처럼 보이는 것일까?

평론가들은 종종 웨이마우스가 킴 고든(Kim Gordon)에서 에스터 하임(Este Haim)에 이르기까지 많은 여성 베이스 연주자들에게 영향을 미쳤다고 언급하곤 한다. 그러나 다른 더 많은 이들에게는 아니다. 사람들은 그가 (프란츠와 함께) 번의 난해한 아이디어를 리듬 섹션의 범위 내에서 캐치하고 상징적인 팝뮤직으로 변환하는 비법을 발견했다는 사실에도 불구하고 그의 프로파일을 심도 있게 적지 않는다.

그의 베이스라인은 밴드의 맥박이 되고 다운타운 펑크를 새로운 어떤 사운드로 만들어냈다. : 팔리아먼츠(Parliament)와 제임스 브라운(James Brown)의 쏘울이 넘치고 훵키한 즉흥곡과 캐롤 케이(Carol Kaye)의 견실한 락음악의 춤추기 쉬운 컴비네이션. 이 사운드는 확실하게 쭉 뻗어나가는 멜로딕 훵크에서 아프리카에 영향받은 복합적인 리틈의 댄스 음악에 기초한 날카로운 그루브에 이르기까지의 넓은 스펙트럼을 커버했다. – 그와 프란츠가 후에 그들의 영향력있는 그룹 Tom Tom Club으로 개발했던 그 사운드.

그러나 웨이마우스에 대해 쓸 때에 그는 기껏해야 유머 감각 없이 잔소리가 심한 여자에서 심지어 번에 초점을 맞춘 이들에 의해 “락의 레이디 맥베쓰”에 이르기까지 다양하게 묘사되면서도 그의 음악가적 기질은 무시되어 왔다. 이러한 수사는 드문 것이 아니다. – 단지 그들이 창출하는데 기여했던 역사로부터 지워지고 있는 여성 아티스트들의 더 커다란 문제의 징후에 불과하다. 그들은 자주 흑과 백의 극단적인 개성으로 묘사되곤 하고, 그들의 성별(gender)이 언급되고 – 여성임에도 불구하고 재능 있는 – 혹은 남성 평론가들의 렌즈를 통해 철저한 관찰된 중에 제대로 형성된 남성 동료들의 그늘 속의 배역으로 정의된다.

데이빗 바우맨(David Bowman)의 2002년 전기 This Must Be The Place : The Adventure of Talking Heads in the 20th Century를 보자. 그는 번을 이 이야기에서 겸손하고 친근한 주창자(protagonist)이자 진정한 영웅으로 묘사하면 반면, 웨이마우스를 묘사하길 적대자(antagonist), “다소 예민한”, “카톨릭 성인의 분위기가 나는, 또는 비극적으로 다리를 저는 프리마 발레리나. 또는 앤디 워홀을 저격했던 발레리 솔라니스(Valerie Solanis).”1 이 정도는 바우먼이 친절한 것이다. 나중에 그는 그를 “로체스터(Rochester)의 아내, 미친 인간”으로 비유하고 그의 기억들을 “유해하다”고 규정했다.

평론가들은 종종 디테일을 대충 묘사한다. 번이 밴드에서의 그의 역할을 위해 그를 세 번 오디션했다고 한다. – 다른 멤버들에게는 요구하지 않았던 것. 2015년의 다큐멘터리 Girls in Bands에서 그는 번이 그에게 “여성에게 위험한 곳이기에 이 큰 세상에서 진정한 여성의 역할은 없다”고 말했다고 회상했다.

일이 꼬일 때마다 번은 웨이마우스를 탓했다. “데이빗이 불안해할 때마다 내가 그의 괴롭힘 대상이었다. 그가 일이 잘 안 풀릴 때마다 그에 대해 날 괴롭히곤 했어요. 내내 내겐 고통이었죠.” 그는 바우먼에게 자세히 이야기했다.

그럼에도 불구하고 아마도 티나 웨이마우스는 그가 대체로 그의 다른 여성 등료들과 다르게 그렇게 확신을 주는 인물이 아니어서 충분한 신뢰를 얻지 못했을지도 모른다. “나는 내가 잘 해낸 것, 음악을 연주하는 것의 더 이상을 능가하고 싶지 않아요.” 1979년 Creem에서 그가 한 말이다. “난 여성임을 이용하지 않았는데 그런 것들을 아껴두는 편이 더 낫기 때문이죠.”

그는 임신 중에도 토킹헤즈의 공격적인 세계 공연에 따라나섰던 여성이고, 진통 중에도 베이스 트랙을 녹음했다. 데이빗 번의 그늘에서 라이브를 하는 것과 같은 거친 진실 앞에서 물러서지 않았던 여성이다. : “몇 해 동안” 로스엔젤레스타임스에 그가 한 말이다. “사람들은 내게 데이빗에 대해서만 물어봤고, 난 대답을 잘 했었죠.”

그는 가혹하도록 충성을 했고 대단히 신뢰할 만 했으나 팡파레를 원하지 않았다. 밴드를 하는 것은 프란츠의 꿈이었다. 그가 도쿄의 레드불뮤직아카데미(Red Bull Music Academy)에서의 2014년 강연에서 회고하길 그는 거의 2년 동안 베이스 주자를 찾아 헤맸다. 결국 아무도 나서지 않았고 웨이마우스는 밖에 나가서 거의 그만큼 큰 베이스를 사왔다. 그리고 밴드에 끼어들었다.

“밴드가 첫 라이브를 할 때까지 난 단지 5개월 동안 베이스를 연주했어요.” 같은 강연에서 그가 설명했다. “난 정말 펑크였던 셈이죠. 철저한 독학자였어요. 수업을 듣지도 않았죠. 아무도 어떻게 연주하는지 가르쳐주지 않았어요.”

그는 구멍을 발견하고 어떻게 다른 사람의 요구를 충족시켜줄 수 있는지를 알고 있었다. 여성들이 몇 세기동안 보답을 바라지 않고 해온 일이다. 밴드 멤버들이 그들의 초기 시절을 회상할 때 그들은 그가 번과 프란츠와 함께 온방이나 목욕탕도 없는 상업용 다락에서 살며, 그들에게 음식을 만들어주고, 머리를 잘라주고, 공연장까지 운전을 해주고, 베이스 주자와 로드 매니저라는 이중의 역할을 수행했다고 회고한다.

티나 웨이마우스는 선구자였고 그 영향력은 특히나 여성들에게 오늘날까지 지속적으로 남아있다. 그는 그만의 길을 지치지 않고 나아가고 있고, 프란츠와 새 음악을 만드는 와중에 멘토역을 하거나 더 젊은 아티스트들과 협업하는 것을 멈추지 않는다.

“돌이켜보면 좋았던 것 하나는 내가 여성이어서 겪었던 문제에 대해 한번도 이야기하지 않은 것이에요.” 1981년 The Face에서 그가 한 말이다. “나는 똑 같은 아이디어를 가지고 있는 다른 이들을 의기소침하게 하고 싶지 않았어요. 난 그 길이 오르막을 오르는 수레처럼 보이게 하고 싶지 않았어요. 실제론 그랬지만요.”
여성은 때로 자신만의 이야기를 가지고 있어야 한다. 비록 웨이마우스가 스스로 주목받는 것이나 여성으로서의 시도에 대해 말하기를 꺼려했던 것이 상황을 복잡하게 하긴 했지만 말이다. 이것은 일종의 캐치22(catch-22)다. “나는 언제나 페미니스트였어요.” PAPER에서 그가 한 말이다. “난 단지 언제나 그 질문을 받는 것이 싫었어요. 그건 나를 ‘날 바라볼 때 생각나는 것이 그게 다에요? 여성으로서? 날 아티스트로 보지 않아요? 날 뮤지션으로 보지 않아요?’라는 질문에 가두는 것이에요.”

침묵을 지키는 것은 제자들이 그를 베끼는 것을 두려워하지 않는다는 것을 의미한다. 그러나 이는 또한 그를 또 하나의 미스터리로 만든다. 그래서 그 앞에 지나갔던 많은 여성들처럼, 그 역시도 편견에 사로잡힌 비평가들의 투사와 남성들의 속 좁은 생각을, 그의 영향력이 단지 하나의 주석으로 축소되는 것을 참아왔다. 늘 그랬으니까.(Same as it ever was)

  1. 미국의 급진적 여성주의자. 앤디 워홀 미수사건의 범인으로 유명하다.

David Byrne의 새로운 솔로 앨범 소식

오늘 5월 14일 64회 생일을 맞은 David Byrne이 최근 한 인터뷰에서 새로운 솔로 앨범을 준비 중이며 내년 초쯤 발매될 것 같다고 말했다. 또한 해당 앨범은 음악 동료 Brian Eno와의 협업을 통해 만들어지고 있다고 말했다. Brian Eno도 이 사실을 공식 트위터 계정을 통해 팬에게 전달했다.

Tina Weymouth가 ‘현대 음악의 형성에 기여한 일곱 명의 여성 베이시스트’ 중 하나에 선정되다

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By Michael Markos, CC BY-SA 2.0, Link

Open Culture라는 매체에서 ‘현대 음악의 형성에 기여한 일곱 명의 여성 베이시스트’라는 기사를 통해 Tina Weymouth를 이들 중 하나에 선정하였다. 다음은 그녀에 대한 부분을 발췌 번역한 내용.[글 전체 보기]

픽시스에서 연주한 Kim Deal처럼 토킹헤즈에서의 티나 웨이마우스의 베이스는 밴드의 딱딱한 기타와 신쓰 아래에 리듬감 넘치는 앵커와 추진력있는 엔진으로 작동하였다. 웨이마우스는 현존하는 가장 펑키했던 아트록 리듬섹션의 반절을 차지했을 뿐 아니라 그녀 자신만의 프로젝트였던 탐탐클럽에서의 “Genius of Love”를 통해 락의 역사에서 가장 펑키한 베이스라인을 창조해냈다. 웨이마우스의 베이스 연주 없이 80년대의 음악이 어떠했는지 상상하는 것은 거의 불가능하다.(비록 그녀의 댄쓰가 없는 상황은 상상이 가능하지만 말이다.)