1970년대 중반 뉴욕의 활기찬 예술계에서 등장한 밴드 Talking Heads는 대중 음악의 풍경을 영원히 바꿔놓았다. 수수께끼 같은 David Byrne이 프런트를 맡고 Chris Frantz, Tina Weymouth, Jerry Harrison의 혁신적인 음악가가 지원한 Talking Heads는 록음악의 경계를 넓혔다. 그들은 장르를 혼합하고, 규범에 도전했으며, 동시대 사람들과 차별화되는 수준의 지적이고 감정적인 복잡성을 음악에 주입했다.
데뷔 앨범의 첫 번째 딸랑딸랑거리는(jangly) 코드부터 Remain in Light의 광대한 사운드스케이프와 그 너머까지 Talking Heads는 오늘날에도 여전히 공감하게 하는 방식으로 사운드를 진화시키고 확장했다. Arcade Fire에서 LCD Soundsystem에 이르기까지 수많은 현대 아티스트의 작품에서 그들의 영향을 들을 수 있으며, 이는 록, 뉴웨이브, 아트 팝에 대한 이 밴드의 독특한 해석이 40년 전과 마찬가지로 오늘날에도 여전히 관련성이 있음을 증명한다. 여기서, Talking Heads가 단순한 록 밴드가 아니라 음악 역사의 흐름을 형성한 힘인 7가지 주요 이유를 살펴보겠다.
1. 장르의 혁신적 융합
록, 펑크, 월드뮤직의 경계를 흐릿하게 함
Talking Heads 음악의 가장 주목할 만한 측면 중 하나는 장르를 매끄럽게 혼합하는 능력이다. 특히 Talking Heads: 77에서의 초기 작업은 뉴욕을 휩쓴 펑크와 뉴웨이브 운동의 일부로 자리매김했지만, 그들의 사운드는 결코 쉽게 분류되지 않았다. 펑크 동시대 사람들의 3개의 코드로 들이미는 공격성과 달리 Talking Heads는 록과 기발한 팝 감성을 결합하여 더 미묘한 역동성을 부여했다.
이후의 각 앨범에서 그들은 미지의 음악 영역으로 더욱 깊이 파고들었다. Fear of Music과 Remain in Light는 월드 뮤직, 특히 아프리카 리듬과 미국 펑크, 록을 융합한 하이라이트를 나타낸다. “I Zimbra”와 “Once in a Lifetime”과 같은 트랙은 서양 음악에서는 일반적이지 않은 폴리리듬을 사용하지만 매혹적이고 거의 최면적인 효과를 낸다.
Talking Heads는 Fela Kuti와 같은 아티스트의 영향을 받았는데, 이들의 아프로비트 리듬은 Remain in Light의 겹겹이 리듬이 강한 편곡에 영감을 주었습니다. 프로듀서 Brian Eno의 지도 아래 앨범을 제작하면서 이러한 영향은 완전히 새로운 것으로 바뀌었다. Talking Heads는 단순히 월드뮤직 사운드를 차용하는 것이 아니라 록, 펑크, 글로벌 리듬이 공존하는 합성을 만들어 대중 음악에서 새로운 언어를 형성했다.
미래 세대에 영향을 미치다
그들의 장르를 모호하게 하는 접근 방식은 많은 아티스트에게 큰 영향을 미쳤다. 월드뮤직 요소, 일렉트로닉 실험, 록의 완벽한 통합은 Radiohead1, Vampire Weekend, TV on the Radio와 같은 밴드의 토대를 마련했다. 여러 면에서 그들의 영향은 오늘날 현대 음악에서 듣는 점점 더 세계화된 사운드스케이프의 길을 열었다.
2. 데이빗 번: 다른 어떤 사람과도 다른 프런트맨
복잡하고 지적인 존재감
데이빗 번은 록 역사상 가장 색다른 프런트맨 중 한 명이었으며 지금도 그렇다. 뻣뻣하고 어색한 움직임, 무장 해제하는 보컬 전달, 특유의 눈을 크게 뜬 시선으로 번은 취약함과 편심함을 발산했다.2 대부분의 프런트맨이 전통적인 록 트로프를 통해 카리스마를 발산하는 반면(믹 재거의 거만함이나 짐 모리슨의 침울한 성적 취향을 생각해 보라) 번은 록 스타가 되는 것의 의미에 대한 전체적인 개념을 전복했다.
“Psycho Killer”와 같은 노래에서 번은 소외되고 불안하며 경계에 있는 캐릭터를 구현했다. 이러한 긴장감은 Talking Heads 음악의 많은 부분에 스며들어 도시 생활의 혼란과 긴장을 완전히 새로운 방식으로 포착했다.
지적이고 감정적인 깊이
번을 그토록 매력적인 인물로 만든 것은 청중과 감정적인 연결을 유지하면서도 가사에서 지적인 아이디어를 전달하는 그의 능력이었다. “Once in a Lifetime”과 같은 트랙에서 번은 물질주의의 무익함과 현대 생활의 소외에 대해 묵상한다. “당신은 스스로에게 ‘음, 어떻게 여기까지 왔을까?’라고 물을 수도 있습니다.(You may ask yourself, ‘Well, how did I get here?’)”와 같은 대사는 20세기 후반의 실존적 불확실성을 받아들이는 세대에게 깊은 공감을 불러일으켰다.
어떤 면에서 번의 지적이고 기이한 존재감은 보다 전통적인 록 페르소나와 공감하지 못했을지 모르는 청취자에게 그를 더 공감하게 만들었다. 그의 독특한 카리스마는 Arcade Fire의 Win Butler와 LCD Soundsystem의 James Murphy와 같은 현대 프런트맨에게 계속 영향을 미치고 있으며, 이들은 공연에서 지성주의와 감정적 날카로움을 비슷하게 혼합한다.
By How We Get To Next – YouTube (4:21), CC BY 3.0, Link
3. 브라이언 이노의 변혁적 제작
ENO 협업 시대
Talking Heads와 프로듀서 브라이언 이노의 협업은 밴드의 커리어에 전환점을 가져왔다. 록시뮤직과 크라프트베르크와 같은 글램 록과 실험적 일렉트로닉 아티스트와 작업했던 이노는 밴드의 음악에 독특한 아방가르드 감성을 불어넣었다. 1978년 More Songs About Buildings and Food로 시작해서 이노는 밴드가 미니멀하고 각진 초기 사운드에서 더 광범위하고 실험적인 사운드로 전환하도록 도왔다.
이노의 영향으로 밴드는 더 많은 전자적 요소와 텍스처를 통합하기 시작했고, 이는 편곡에 깊이와 복잡성을 더했다. 이노와 함께 한 세 개의 협업 앨범 중 마지막 앨범인 Remain in Light는 그들의 상호 창의성을 증명한다. 끊임없이 진화하는 사운드 레이어를 통합한 소용돌이치는 사이키델릭 걸작이다. 결코 정적이지 않다. “The Great Curve”와 “Crosseyed and Painless”와 같은 트랙은 반복해서 들어도 보상이 되는 치밀하고 복잡한 제작이 특징이다.
프로듀서의 역할 재정의
Talking Heads와 함께한 Eno의 작업은 프로듀서가 될 수 있는 것을 재정의했다. Eno는 단순히 녹음 과정을 촉진하는 것이 아니라 적극적인 협업자로서 밴드의 사운드를 근본적인 방식으로 형성했다. 그의 실험적 접근 방식과 악기로서의 스튜디오에 대한 강조는 미래의 프로듀서-아티스트 협업을 위한 토대를 마련했으며, Nigel Godrich(Radiohead의 오랜 프로듀서)부터 James Ford(Arctic Monkeys, Depeche Mode)에 이르기까지 모든 사람에게 영향을 미쳤다.
4. 예술적 시각적 미학
앨범 아트에서 뮤직비디오까지
Talking Heads는 단순히 음향적으로만 혁신적인 것이 아니다. 그들의 시각적 미학 역시 획기적이었다. Fear of Music과 Remain in Light의 앨범 커버는 미니멀리즘과 단순하고 대담한 이미지 사용이 돋보였다. 그들의 작품의 시각적 요소에 대한 이러한 관심은 종종 노래 자체만큼이나 색다른 뮤직 비디오로 이어졌다.
“Once in a Lifetime”의 비디오를 살펴보라. 번은 커다란 정장을 입고 방향 감각을 상실하게 하는 시각적 효과의 배경에 맞춰 로봇처럼 갑작스럽게 움직이는 댄스 동작을 선보입니다. 이 비디오는 상징적일 뿐만 아니라 노래의 주제인 실존적 혼란을 완벽하게 보완한다. 토니 바질이 감독하고 번이 직접 안무를 맡은 이 비디오는 밴드가 뮤직 비디오라는 새로운 매체를 활용해 예술적 비전을 확장한 완벽한 사례다.
라이브 공연의 혁명
그들의 시각적 예술성은 라이브 공연에서 그 어느 때보다 더 두드러졌다. 조나단 드미가 감독하고 1984년에 개봉한 Stop Making Sense는 지금까지 만들어진 가장 위대한 콘서트 영화 중 하나로 널리 알려져 있다. 이 영화는 번이 어쿠스틱 기타와 붐박스를 들고 무대에 올라 “Psycho Killer”의 단순화된 버전을 연주하는 장면으로 시작한다. 콘서트가 진행되면서 무대 구성은 점점 더 정교해지고 밴드 멤버들이 하나씩 합류하여 완벽한 앙상블이 완벽한 합주로 연주한다. 이 영화의 미니멀한 무대 디자인과 혁신적인 촬영 기법은 콘서트 영화가 무엇인지 새롭게 정의하여 여러 세대의 영화 제작자와 라이브 공연자에게 영향을 미쳤다.
5. 정치 및 사회적 논평
도시적 소외 문제 해결
Talking Heads는 음악에서 복잡한 사회적, 정치적 문제를 다루는 것을 꺼리지 않는 밴드였다. “Life During Wartime“과 “Born Under Punches (The Heat Goes On)”과 같은 노래는 도시적 혼란과 정치적 격변을 생생하게 묘사하며, 종종 빠르게 변화하는 세상에서 사는 것에 대한 불안을 반영한다.
특히 “Life During Wartime”은 20세기 후반 도시 생활의 편집증과 긴장감을 포착했다. Byrne의 디스토피아적 가사인 “이건 파티도 아니고, 디스코도 아니고, 장난도 아니야(This ain’t no party, this ain’t no disco, this ain’t no fooling around)”는 많은 사람이 직면한 가혹한 현실을 냉엄하게 상기시켜주며3, 디스코가 지배하는 팝음악의 경박함을 날카로운 사회적 논평으로 꿰뚫었다.
현대에 대한 주의깊은 목소리
그들의 가사는 기술, 세계화, 정치적 불안정이 단절과 소외감을 조성하는 오늘날의 세상에서 여전히 예지력을 느끼게 한다. 이러한 주제를 정면으로 다루면서 Talking Heads는 지적 비판과 대중음악 사이의 격차를 메울 수 있는 몇 안 되는 밴드 중 하나가 되었다.
6. 리듬 섹션: 티나 웨이마우스와 크리스 프란츠
그루브 중심의 기초
Talking Heads 사운드의 핵심 요소는 베이시스트 티나 웨이머스와 드러머 크리스 프란츠가 제공하는 타이트하고 그루브 중심의 리듬 섹션이다. 웨이마우스의 베이스라인은 종종 절제되지만 항상 필수적이며, 밴드의 가장 춤추기 쉬운 트랙의 중추다. 펑크와 아프로비트에 뿌리를 둔 프란츠의 드럼 연주는 밴드에 다른 뉴웨이브 액트와 차별화되는 리듬적 복잡성을 제공한다.
“Crosseyed and Painless”와 “Born Under Punches”와 같은 노래는 Weymouth와 Frantz의 최고의 모습을 보여주며, Byrne의 보컬과 Harrison의 기타가 복잡한 패턴을 엮을 수 있는 기반을 제공한다. Talking Heads의 음악은 지적으로 매력적일 뿐만 아니라 육체적으로 매력적이게 만들었다. 생각하고 춤출 수 있는 음악이다.
댄스 록에 대한 지속적인 영향
Weymouth와 Frantz의 영향은 Bloc Party, Franz Ferdinand4, Foals를 포함한 현대 댄스 록과 포스트 펑크 리바이벌 밴드에서 들을 수 있다. 복잡한 리듬을 쉽고 추진력 있게 느끼게 하는 그들의 능력은 Talking Heads의 지속적인 유산의 핵심 요소다.
7. 지속적인 유산과 영향력
실험적 팝의 청사진
Talking Heads는 실험과 접근성의 균형을 맞추는 데 성공한 몇 안 되는 밴드 중 하나였다. 월드뮤직의 통합, 아방가르드 제작기술 사용 또는 초현실적 가사를 통해 위험을 감수하려는 그들의 의지는 수많은 아티스트가 따라한 실험적 팝 음악의 청사진을 만들었다.
Arcade Fire, LCD Soundsystem, Animal Collective과 같은 현대 밴드는 Talking Heads가 개척한 길에 많은 사운드를 빚지고 있다. 사실 LCD Soundsystem의 James Murphy는 “David Byrne은 천재입니다… 저는 그에게 많은 빚을 졌습니다.”라고 말했다. Byrne의 영향력은 음악에만 국한되지 않다. 그는 예술계, 연극, 영화에서 존경받는 인물이 되었고, 다방면의 아티스트로서의 지위를 더욱 공고히 했다.
현대 세계의 사운드트랙
Talking Heads의 음악은 예술, 정치, 대중 문화의 교차점을 탐구하는 데 관심이 있는 모든 아티스트에게 시금석으로 남아 있다. 그들의 사운드, 스타일, 메시지는 놀라울 정도로 오래되었고, 새로운 세대의 청취자에게 계속해서 공감을 얻고 있다. 점점 더 분열되고 단절되어 느껴지는 세상에서, 그들의 음악은 그 혼돈을 반영하는 동시에 그것을 초월하는 수단을 제공한다.
—————————————————————————–
관련 및 유사한 밴드: TALKING HEADS의 정신을 공유하는 아티스트
브라이언 이노
밴드는 아니지만 브라이언 이노가 Talking Heads에 미친 영향은 매우 크기 때문에 관련 아티스트로 언급할 만하다. 그의 솔로 작업, 특히 Another Green World와 Before and After Science와 같은 앨범은 그가 밴드와의 협업에 가져온 것과 동일한 실험적 정신을 공유한다. 앰비언트 음악에서 이노의 선구적인 작업과 데이비드 보위와 U2와 같은 아티스트의 프로듀서로서의 그의 역할은 현대 음악에 지울 수 없는 흔적을 남겼다.
Talking Heads와 마찬가지로 Devo는 1970년대 후반 포스트 펑크 장면에서 실험적이고 접근 가능한 사운드로 등장했다. 기발한 신시사이저, 무표정한 보컬, 현대 사회에 대한 종종 풍자적인 해석이 특징인 그들의 음악은 Talking Heads의 지적 성향을 공유한다. Devo의 히트곡 “Whip It”과 독특한 시각적 미학은 그들을 스타일과 감성 면에서 Talking Heads와 가장 밀접하게 연관된 밴드 중 하나로 만들었다.
뉴욕시 아트 펑크 씬의 또 다른 산물인 B-52’s는 Talking Heads의 기발하고 아방가르드한 미학을 공유한다. 서프록, 뉴웨이브, 댄스 리듬을 결합한 레트로-퓨처리즘 사운드로 B-52’s는 종종 동일한 예술적 영역을 탐구했지만, 더 장난기 있고 덜 지적인 방식으로 탐구했다. “Rock Lobster”와 “Private Idaho”와 같은 노래는 팝 음악에 대한 독특하면서도 접근하기 쉬운 접근 방식을 상징한다.
LCD SOUNDSYSTEM
LCD Soundsystem만큼 Talking Heads의 영향을 자랑스럽게 드러내는 밴드는 거의 없다. 프런트맨 James Murphy는 David Byrne과 Talking Heads를 자신의 가장 큰 영감 중 하나로 공개적으로 언급했다. LCD Soundsystem의 음악은 일렉트로닉 리듬, 펑크 에너지, 아트 록 감성을 Talking Heads가 개척한 길의 자연스러운 연속처럼 느껴지는 방식으로 혼합한다. “All My Friends”와 “Someone Great”와 같은 트랙은 Talking Heads가 전성기에 했던 것처럼 춤추기 좋은 그루브와 내성적이고 종종 실존적인 가사를 섞는 밴드의 능력을 보여준다.
ARCADE FIRE
21세기에 가장 비평가들의 찬사를 받은 밴드 중 하나인 Arcade Fire도 Talking Heads에게 빚을 졌다. 웅장한 오케스트라 편곡과 춤추기 좋은 리듬, 감정적으로 충만한 가사를 섞는 그들의 능력은 Talking Heads의 지성과 그루브의 혼합을 연상시킨다. “Reflektor“와 “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”와 같은 노래는 Remain in Light의 광활하고 리드미컬한 사운드를 반영하는 반면, 프런트맨 Win Butler의 종종 지적인 가사적 접근 방식은 Byrne의 영향을 전달한다.
- 그들의 그룹명은 토킹헤즈의 노래 제목에서 따왔다 ↩
- 이러한 독특한 캐릭터가 그의 자폐성 스펙트럼 장애적 성격에서 비롯됐다는 주장에 대해서는 여기를 보라 ↩
- 이러한 불안감은 21세의 1/4분기가 끝나가는 이 시점에도 가라앉지 않고 오히려 증폭되고 있는 느낌이다 ↩
- 그룹이 이름을 빌려온 실존인물 합스부르크 대공 프란츠 퍼디난트의 죽음은 스스로에게도 비극이었지만, 현대사에서 가장 커다른 비극을 탄생시킨 도화선이 되었다 ↩